Snatch, cerdos y diamantes

- Título original: Snatch
- Dirección: Guy Ritchie
- Guión: Guy Ritchie

- Reparto: Brad Pitt, Jason Stathman, Benicio del Toro,
  Alan Ford, Stephen Graham, Dennis Farina, Vinnie Jones,
  Rade Serbedzija, Lennie James, Mike Reid, Robbie Gee,
  Jason Flemyng, Ade, Andy Beckwith, Ewen Bremner,
  Sorcha Cusack, Nicola Collins, Teena Collins

- Duración: 103min
- País: Gran Bretaña
- Año: 2000

- Te gustará si lo hizo... Trainspotting (1996)

- Valoración: 

 

El ladrón y adicto a las apuestas Franky 'Cuatro Dedos' (Benicio del Toro) roba un enorme y valisoso diamante que debe entregar a Avi (Dennis Farina), su jefe, judío y experto en el tráfico de joyas, el cual vive en Estados Unidos y odia Inglaterra con toda su alma. El vendedor ilegal de armas de origen soviétivo Boris (Rade Serbedzija) engañará a Franky para hacerse con la joya, tentándole para que apueste en un combate de boxeo clandestino organizado por el despreciable y rudo Brick Top (Alan Ford), el gángster más poderoso y respetado de la ciudad. Para recuperar la preciada y preciosa piedra, Avi viaja a Inglaterra y contrata al despiadado Tony 'Dientes de Bala' (Vinnie Jones). Por otro lado, Turco (Jason Stahtman), junto a su compinche Tommy (Stephen Graham), es un promotor de boxeo que ha perdido a su luchador, que iba a participar en una de las peleas de Brick Top, debido al puñetazo que le propinó un gitano cuando negociaba con ellos para la compra de una caravana. Cagado por las represalias que Brick Top tomará contra él, Turco le propone al gitano, de nombre Mickey (Brad Pitt), que sea él quien boxee. El problema es que Brick Top quiere amañar la velada y que Mickey caiga en el cuarto asalto, algo a lo que el gitano no está dispuesto ya que, a parte de que no es capaz de dar un puñetazo sin noquear al rival, cuenta con planes muy diferentes a los de Brick Top y a los de Turco.

Todos ellos conforman un  reparto coral  francamente sublime, a través del cual se construyen un buen puñado de personajes inolvidables e hilarantes a rabiar, una banda de chalados en la que cada uno está más pirado que el anterior. Un Brad Pitt al que no se le entiende ni papa pero que está inmenso en su papel de gitano duro como el hierro y que hace patente que puede ser también un bichaco en roles cómicos, un Benicio del Toro cuyo papel se acaba demasiado pronto para lo bien que le sienta y lo bien que lo hace, un Vinnie Jones al que Ritchie descubrió para la interpretación en Lock & Stock y que es mil veces mejor actor de lo que nunca fue futbolista, un Rade Serbedzija haciendo de un desternillante y casi inmortal mafioso ruso, un Alan Ford inmenso en su papel de líder despreciable al frente de la banda más temida del crimen organizado londinense y un sólido Jason Stathman que demuestra que podría ser más y mejor actor de lo que es ahora en su encasillado rol actual como protagonista de peliculillas de acción de segunda fila, sin dejar de lado a Dennis Farina y a todos los que aún falta por mencionar.

El irreverente Guy Ritchie, más irreverente entonces, a través de un guión maravilloso, de un estilo propio, una estética y un uso de la cámara frenético, efectivo y poco común, confirma, tras su ópera prima Lock & Stock (1998), su enorme y contundente talento para plasmar historias poliédricas del género criminal y gansteril y nos brinda su mejor film, insuperable hasta la fecha. Un Guy Ritchie que se ha diluido tras estas dos cintas, en las que se situó en la cima de este tipo de comedias negras, con un humor delirante, fantástico y adictivo, poniéndose a la altura, o incluso por encima, de un maestro del género como Quentin Tarantino, pero sin las estridencias y peculiaridades excéntricas de éste, con una forma de hacer más realista e igual de contundente.

Con el escenario perfecto de un Londres suburbial, de sus callejuelas y de sus clubes de extranjis, Snatch es una locura divina, dirigida con un ritmo narrativo demoledor que nunca da tregua, cargada de escenas y situaciones hilarantes, ingeniosas y descaradas, hilvanadas entre sí de forma redonda y exquisita y con una electricidad hipnótica. Repleta de giros maestros, Snatch es una maraña deliciosa que posee fuerza, fiereza y desparpajo y unos diálogos brutalmente cachondos y ocurrentes, acompañado todo ello de una elección de la banda sonora muy acertada. Por ponerle algún pero, es una película de argumento, temática y construcción muy similar a su predecesora Lock & Stock, pero no es menos cierto que está cimentada de modo sublime con una cronología simple y continua pero llena de multiplicidades y acciones simultáneas que encajan a la perfección con un empaque poderoso. Una forma de hacer cine deliciosa, que no sabemos dónde se ha quedado desde su úlitma muestra en la más discreta Rocknrolla (2008), por lo que hay ya muchas ganas de volver a ver un nuevo film del realizador británico, que será recibido con los brazos abiertos, a pesar de que redunde en la misma temática y construcción, si va a ser tan bueno como este.

Snatch es una joya del tamaño del diamante en torno al que gira buena parte de la trama, el máximo exponente de este tipo de comedias gamberras y sinvergüenzas. Irónica, socarrona, con mala leche, cínica, estimulante, con clase, genuina, concluida de una manera tremendamente fina y elocuente y, sobre todo, muy muy divertida y absolutamente genial. Una de esas películas que tienes que ver sea como sea, a las que hay que echar de comer aparte ya que que jamás se situarán en el olimpo sagrado del séptimo arte pero que son piezas únicas de un tipo de cine que es también excelso, de calidad máxima y en este caso, con denominación de origen y con un sello propio devastador y alucinante. Cojonuda, con perdón.

                                                  Tráiler

Funny games (Juegos divertidos)

- Título original: Funny games
- Dirección: Michael Haneke
- Guión: Michael Haneke

- Reparto: Susanne Lothar, Ulrich Mühe, Arno Frisch,
   Frank Giering, Stefan Clapczynski, Doris Kunstmann

- Duración: 108min
- País: Austria
- Año: 1997

- Premios destacados:
  · Cannes: nominada a la Palma de Oro a mejor película

- Te gustará si lo hizo... Caché (Escondido) (2005)

- Valoración:

Georg (Ulrich Mühe), Anna (Susanne Lothar) y su pequeño hijo Georgie (Stefan Clapczynski) son un familia acomododa que acude a pasar unas vacaciones a su casa pegada al lago. En la vivienda de al lado residen sus amigos que llevan ya varios días en la zona y con los que quedan para jugar al golf. Nada más llegar, mientras Georg y su hijo acondicionan el velero en el lago, Anna recibe la visita de Peter (Frank Giering), un joven educado y de apariencia formal, que, en nombre de su vecina Eva, le pide 4 huevos. Anna, que en un principio reacciona de manera normal, empezará a preguntarse cómo Peter ha podido acceder a su casa. Al instante aparecerá también Paul (Arno Frisch), compañero de Peter, y Anna comenzará definitivamente a ponerse nerviosa. Su marido y su hijo, ante los ladridos del perro, acudirán a la casa y la familia comenzará a vivir desde ese momento un auténtico calvario rocambolesco e insólito a través de los juegos macabros propuestos por Paul y Peter.

De la mano de una convicente actuación de Susanne Lothar y de un Ulrich Mühe muy discreto, más si lo comparamos con su fantástico papel en La vida de los otros (2006), dos actores muy del gusto de Haneke y con los que ha contado varias veces en su filmografía, sentimos en carne propia el sufrimiento, la desesperación, la impotencia que les imponen, a base de una serie de juegos enfermizos y casi sádicos, la pareja de dementes con piel de cordero formada por un Arno Frisch frío y soberbio que se encarga de soportar el peso siniestro del guión, y de Frank Giering, con una mirada perdida que hace evidente su trastorno y que inspira un pavor a la altura de su irracionalidad.

Funny Games es la propuesta de una mente privilegiada como la de Haneke, de un talento superior para el cine. La película es un ejercicio de precisión esquizofrénica, de una inteligencia siniestra que traslada al espectador (al que durante el film se le interpela dos veces directamente a través del personaje de Paul) un nerviosismo agudo, irritante, realizado de forma asombrosa, extrayendo el pánico y la angustia de una situación que nace de la nada, de una realidad cotidiana para alcanzar cotas estremecedoras, enervantes que harán que ni siquiera puedas pestañear y que te dejarán helado, atónito y perplejo. Espeluznante, original, radical, majestuosa, ingeniosamente desasosegante y terriblemente exquisita.

                                                    Tráiler (V.O subtitulado en inglés)

Psicosis

- Título original: Psycho
- Dirección: Alfred Hitchcock
- Guión: Joseph Stefano (basado en la novela de Robert Bloch)
 - Reparto: Anthony Perkins, Janet Leigh, Vera Miles, John Gavin,
    Martin Balsam, John McIntire, Simon Oakland, Patricia Hitchcock
    Vaughn Taylor, Frank Albertson, Mort Mills, John Anderson
- Duración: 108min
- País: Estados Unidos
- Año: 1960

- Premios destacados:
  · Oscar: 4 nominaciones [director, actriz secundaria (Janet Leigh),
     fotografía y dirección artística en blanco y negro]

- Te gustará si lo hizo... Vértigo (1958)

- Valoración:

Marion Crane (Janet Leigh) trabaja como secretaria en una inmobiliaria de Phoenix. Tras recibir 40.000 dólares en efectivo debido una transacción, su jefe (Vaughn Taylor) la envía a ingresar el dinero al banco y le concede la tarde libre, debido a unas molestias, pero Marion huye en coche de la ciudad con el dinero, un dinero que cree puede otorgarle la felicidad que tanto anhela. Agitada y nerviosa por la presencia de un policía (Mort Mills) que sospecha de su forma de actuar, y también por su propia conciencia, y aturdida por la incesante lluvia, Marion va a parar al motel Bates, un tranquilo parador de carretera secundaria cerca de Fairvale (California), regentado por Norman Bates (Anthony Perkins), un timorato joven, aficionado a la taxidermia de aves, que vive en la casa adjunta junto a su madre. 

Por otra parte, angustiados por la huida y desaparación de Marion, su hermana Lila y su amante Sam, con el que tenía planes de matrimonio, además del detective privado Arbogast, que investiga el paradero de los 40.000 dólares, deciden ponerse manos a la obra en su búsqueda. Las pesquisas del detective le llevarán hasta el motel Bates, adónde, posteriormente, acudirán también Lila (Vera Miles) y Sam (John Gavin), para tratar de esclarecer lo ocurrido, ignorantes, en un principio, de que nada es lo que parece ser.

Psicosis es, seguramente, la película más popular de Hitchcock, un título cumbre dentro de la amplia y excelsa obra del genio británico y uno de los grandes thrillers de intriga de siempre. Cargada de elementos que le otorgan a la cinta un dramatismo feroz como son la magnífica BSO, que ya por sí sola pone los pelos de punta; la lluvia; los numerosos primeros planos; las expresiones impérterritas, ambiguas, recelosas o crispadas reflejadas, sobre todo, en los rostros de Leigh y de un brillante Perkins, o el uso magnífico de las sombras a través de una sublime iluminación; confieren a Psicosis, entre otros aspectos, su merecido status como clásico imborrable del cine en general y como referente supremo del suspense, en particular.

La archiconocida y genial escena de la ducha es sólo un suceso más dentro de una trama compleja que nos envuelve, tejida magistralmente, repleta de tensión y sorpresas, en la que cada giro de guión es más brillante y fascinante que el anterior y que suponen una sacudida cada vez mayor para un espectador impaciente y absorto en la tarea de desenredar el sublime y sofocante entramado. Psicosis ahonda en la psicología humana como cuchillo en mantequilla, palpa muchos de nuestros temores y arrebatos oscuros, de la mano de un Hitchcock, eternamente relegado y olvidado por la Academia de Hollywood, que ha sabido como nadie, en una suerte de lobotomía cinematográfica, dejar su huella en la retina y la memoria de la historia del cine. Grande entre los grandes, Psicosis es de lo más grande de la filmografía del más grande del género, del maestro absoluto y reverencial del suspense, de un Hitchcock al que películas como esta, hacen inmortal su oronda silueta. Un film innegable y absolutamente imprescindible.

                                                 Tráiler (en inglés)

Casablanca

- Dirección: Michael Curtiz

- Guión: Julius J. Epstein, Philip G. Epstein, Howard Koch (basado
  en la obra teatral de Murray Burnett y Joan Alison)

- Reparto: Humphrey Bogart, Ingrid Bergman, Paul Henreid,
   Claude Rains, Dooley Wilson, Sydney Greenstreet, Peter Lorre,
   Conrad Veidt, Peter Lorre, S. Z. Sakall, Madeleine Lebeau

- Duración: 100 min
- País: Estados Unidos

- Año: 1942

- Premios destacados:

  · 3 Oscar: mejor película, director y guión adaptado [además de
    5 nominaciones: actor principal (H. Bogart), actor secundario
    (C. Rains), montaje, fotografía b/n y BSO drama/comedia)

- Te gustará si lo hizo... Lo que el viento se llevó (1939)

- Valoración:

Con el mundo inmerso en plena II Guerra Mundial y media Europa bajo el dominio de la Alemania nazi, Casablanca (en el Marruecos de la Francia no ocupada) se ha convertido en el lugar al que huyen multitud de personas de diversas nacionalidades con la esperanza de obtener un salvoconducto que los lleve hasta Lisboa, antesala del ansiado avión a América. Allí, el Rick's Café es el centro neurálgico de la vida nocturna y Rick Baines es su exitoso, respetado, frío y aparentemente apolítico gerente. En el club confluyen, entre otros, jugadores, estraperlistas y militares y altos mandos nazis, franceses o italianos.

Una noche, Victor Laszlo (Paul Henreid), líder de la resistencia checa perseguido por la Gestapo y vigilado incluso en Casablanca por los alemanes, se presenta en el local junto con su mujer, Ilsa (Ingrid Bergman), recién llegados a la ciudad. Ilsa es la antigua amante de Rick, al que dejó plantado cuando habían acordado abandonar juntos París justo el día de la ocupación alemana; acompañados por Sam (Dooley Wilson), el músico principal del Rick's. Paradójicamente, Rick, que todavía se siente traicionado por Ilsa a pesar de no haber conseguido olvidarla, es la única opción de Victor de poder conseguir los documentos que le permitan escapar de la ciudad y de obtener por fin la libertad. Ilsa ofrecerá a Rick quedarse con él a cambio del visado para su marido, por lo que éste tendrá que debatirse entre recuperar a la mujer de su vida a cualquier precio o ceder y permitir la huída del matrimonio, dejando escapar a la mujer que nunca ha dejado de amar desde aquellos días en París.

Casablanca son palabras mayores. Nos encontramos frente a frente con un icono, un referente, una deidad del cine de todos los tiempos. Una película vertebrada por un hombre especial, carismático, interpretado por Humprhey Bogart, al que calificarlo como fantástico sería quedarse corto, en un papel rudo, cínico, irónico, elegante, arisco y misterioso, que supone, en suma, una de las actuaciones más soberbias y recordadas de la historia del celuloide. Casablanca es un film con unos diálogos magistrales ("-Veidt: ¿Cuál es su nacionalidad? -Bogart: Soy borracho" o "-Lebeau: ¿Dónde estuviste anoche? -Bogart: ¿Anoche? No tengo la menor idea -Lebeau: ¿Y qué harás esta noche? -Bogart: No hago planes con tanta antelación", son buena muestra de ello), una escenografía maravillosa y un guión superior e inteligente, cargado de épica, honor, amor, pasión y tensión que introduce a mitad de metraje, con absoluta maestría, la etapa de Rick e Ilsa en París, y cuyo colofón es un final de talento puro, un clímax sencillamente impecable para un entramado dramático y argumental perfecto.

Con esa pose y formas tan grandilocuentes como dignas de disfrute típicas del mejor cine clásico, sobre todo en cuanto a la vertiente más pasional, y con una música archiconocida y embriagadora, con Sam a los mandos del piano; la mítica cinta de Michael Curtiz, no solo nos brinda varios de los fotogramas más recordados y algunas de las escenas más míticas de siempre, sino que nos encontramos en tierra santa del séptimo arte, ante un título prácticamente insuperable que constituye uno de los máximos exponentes de la magia fílmica más genuina, porque Casablanca es una película con aura, es historia y leyenda indeleble del cine, es cine con mayúsculas. Parafraseando al gran Bogart cuando dice a Ingrid Bergman que siempre tendrán París; nosotros, los cinéfilos, siempre tendremos Casablanca. Pase lo que pase y para siempre.

                                                    Tráiler

El precio del poder

- Título original: Scarface

- Dirección: Brian De Palma

- Guión: Oliver Stone

 - Reparto: Al Pacino, Michelle Pfeiffer, Steven Bauer,
   Mary Elizabeth Mastrantonio, Robert Loggia, Paul Shenar
   F. Murray Abraham, Miriam Colon, Harris Yulin

- Duración: 159min

- País: Estados Unidos

- Año: 1983

- Premios destacados:

  · Globos de Oro: 3 nominaciones [actor principal (Al Pacino),
    actor secundario (Steven Bauer) y BSO]

- Te gustará si lo hizo... American Gangster (2007)

- Valoración: 

El precio del poder (Scarface) parte del hecho real de la llegada masiva de cubanos, en condición de asilados diplómaticos, a las costas de Florida en el año 1980, lo que se conoce como el Éxodo del Mariel. El régimen castrista aprovechó la ocasión para enviar a Estados Unidos a un gran número de indeseables y a toda clase de criminales, de los cuales, muchos estaban previamente presos en las cárceles de Cuba. Entre estos delincuentes, se encuentra Tony Montana (Al Pacino), un temperamental asesino repleto de ambiciones que comenzará una carrera criminal desde matón a sueldo, siendo un don nadie que "lo único que tiene son sus cojones y su palabra", hasta llegar a controlar, siempre al lado de su amigo Manny Rivera (Steven Bauer) y superando multitud de avatares, la mayor parte del negocio de la cocaína desde Miami, y acumular, de esta forma, una inmensa fortuna. Oliver Stone escribió este guión, basado en la cinta homónima de 1932 de Howard Hawks, mientras se recuperaba de su adicción a la cocaína.

Montana es un hombre sanguinario, que no tiene límites para conseguir todo aquello que quiere y que no es menos que el mundo entero. Ha llegado a Ámerica para alcanzar su objetivo de encaramarse a lo más alto a cualquier precio, movido por una ambición extrema y sin ningún tipo de escrúpulo. Interpretado por un Al Pacino inconmensurable, en un nuevo papel cumbre dentro de su exitosa carrera, cerca de su Michael Corleone en El Padrino y que, sorprendentemente, no recibió ni tan siquiera una nominación a los Óscar. Ni él, ni la película.

Lástima, dejando a un lado al personaje principal de Tony Montana, de unos diálogos y unas situaciones, sobre todo en la primera parte de la cinta, un tanto artificiosos y con un énfasis forzado y superfluo y de un recalco excesivo de la música en numerosos momentos clave. El precio del poder (Scarface) supera un comienzo dubitativo y adiquiere, en su segunda mitad, todo lo que es. Una gran cinta, para muchos una película de culto, con una actuación portentosa por parte de un grandísimo Al Pacino, que relata con maestría, por parte de su realizador Brian de Palma, el auge, éxito y decaimiento del mayor líder del tráfico de drogas en EE.UU. Un hombre que pierde la cabeza rodeado de tanto dinero, cocaína, éxito y sobre todo, poder, e inmerso en un universo que se mueve en una vorágine enteramente dominada por el interés, la ambición y el revanchismo donde la sangre fluye como un río caudaloso. 

El precio del poder (Scarface) es una película memorable, que deja en el poso del recuerdo algunas de las frases y escenas más demoledoras del cine. Un ejercicio narrativo excelente y brutal con un final colosal . Un film que ha adquirido, por méritos propios, una dimensión mítica y atemporal con el paso de los años. Muy buena.

                                                  Tráiler en inglés

Trainspotting

- Dirección: Danny Boyle
- Guión: John Hodge (basado en la novela de Irvine Welsh)
- Reparto: Ewan McGregor, Robert Carlyle, Jonny Lee Miller,
   Ewen Bremner, Kevin McKidd, Kelly MacDonald, Peter Mullan

- Duración: 90min
- País: Gran Bretaña
- Año: 1996

- Premios destacados:
  · Oscar: nominada a mejor guión adaptado
  · BAFTA: mejor guión adaptado y nominación a mejor film británico

- Te gustará si lo hizo... Réquiem por un sueño (2000)

- Valoración: 

Mark Renton (Ewan McGregor) es un chaval escocés que comparte con sus colegas Sick Boy (Jonny Lee Miller) y Spud (Ewen Bremner), la adicción a la heroína. Begbie (Robert Carlyle), un alcohólico psicótico y violento y Tommy (Kevin McKidd), fan de Iggy Pop y el más sano de todos ellos, conforman el resto de esta diabólica pandilla de Edimburgo. Su vida pasa entre el colocón y la intención de desengancharse, alguna que otra bronca y algún que otro chanchullo. " Yo elegí no elegir la vida. ¿Razones? ¿Quién necesita razones cuando tienes heroína?"

En Trainspotting, la trama es secundaria, superflua. La cinta fluye como un río de magma volcánico gracias a sus insólitos y casi nihilistas personajes, a su relación con las drogas, a un vocabulario grosero y directo y unos diálogos brillantes tocados por una comicidad muy característica, por medio de situaciones que van desde el absurdo, la paranoia, el ritual del chute, el síndrome de abstinencia o la sangre, a las peleas de bar, la relación con sus familias y las mujeres o la muerte. 

Todo ello acompañado de una gran elección de temas para la soundtrack, que incluye temas de Iggy Pop, Blur o Lou Reed, entre otros, y unas interpretaciones de altísimo nivel. McGregor, Bremner y, especialmente, Carlyle realizan papeles sublimes y llevan la idiosincrasia de sus personajes al imaginario colectivo de aquellos que hayan tenido el acierto de ver y disfrutar la afamada cinta de Danny Boyle, basada en la obra del novelista escocés Irvine Welsh, que tiene un pequeño cameo en la película.

Una apuesta joven, radical, macarra, sin tapujos y sin complejos, una película genuina que obtuvo, en su momento, un gran éxito y que se ha confirmado, quince años después de su estreno, como una cinta de culto, un clásico de nuestro tiempo. Un título imprescindible.

                                                  Tráiler en castellano

El gran Lebowski

- Título original: The big Lebowski
- Dirección: Joel Coen & Ethan Coen
 - Guión: Joel Coen & Ethan Coen

- Reparto: Jeff Bridges, John Goodman, Steve Buscemi,
  Julianne Moore, John Turturro, David Huddleston,
  Philip Seymour Hoffman, Sam Elliott, Ben Gazzara,
  Tara Reid, Jon Polito, Jimmie Dale Gilmore

- Duración: 117min
- País: Estados Unidos
- Año: 1998

- Te gustará si lo hizo... Lock & stock (1998)

- Valoración:

El Nota (Jeff Bridges), de nombre Jeffrey Lebowski, es un hombre dominado por la vagancia y la dejadez que vive sólo en  un descuidado apartamento de alquiler en Los Ángeles y que pasa los días bebiendo 'caucasianos' (vodka con leche), escuchando a los Creedence, fumando canutos y jugando a los bolos con sus dos amigos: Walter (John Goodman), un veterano judío de la guerra de Vietnam y Donny (Steve Buscemi). 

Un día, el Nota es confundido por dos matones con un millonario de la ciudad con su mismo nombre: Jeff Lebowski (David Huddleston). Uno de los dos criminales, frustrado y cabreado por la confusión decide orinar la alfombra del Nota. Es entonces, cuando el Nota comenzará la cruzada de encontrar al verdadero Lebowski para que le pague la alfombra. De ese encuentro paródico, sacará provecho el viejo e inválido magnate que acordará con el Nota, posteriormente, que éste sea el encargado de entregar la recompensa del secuestro de su esposa, una atractiva joven rubia con pasado en el mundo del porno (Tara Reid). Para ello, el Nota contará con la colaboración voluntaria de Walter y la situación comenzará a complicarse.

El gran Lebowski es una sátira delirante al conformismo, a la pereza y a la apatía acompañadas de un estilo propio e innegociable, y un sentido del humor irónico, plasmados en la figura del Nota, interpretado de manera perfecta por el gran Jeff Bridges, acompañado por un fantástico John Goodman, en su papel de Walter, un 'enterao' compulsivo-agresivo traumatizado por su pasado en Vietnam. Y por si fuera poco, la aparición fulgurante y escasa de John Turturro, interpretando a Jesús, un jugador de bolos hispano con aires de grandeza y una banda sonora de muchos quilates a lo largo de toda la cinta.

La estética de los personajes y el reparto de El gran Lebowski es sencillamente genial, su guión es tronchante, original y sin fallos y su puesta en escena es, como en casi todo lo que es "made in los Coen", un placer digno de disfrutar una y otra vez. Un film espléndido, divertido al máximo, con toques canallas y surrealistas. Grandísima película, inmejorable comedia. Una verdadera pasada.

                                                      

                                                       Tráiler oficial (en inglés)

El club de los poetas muertos

- Título original: Dead poets society
- Dirección: Peter Weir -Guión: Tom Schulman
- Reparto: Robin Williams, Robert Sean Leonard, Ethan Hawke,
   Josh Charles, Gale Hansen, Kurtwood Smith, Dylan Kussman,
   James Waterson, Allelon Ruggiero, Alexandra Powers
- Duración: 123min - País: Estados Unidos -Año: 1989
- Premios destacados:
  · Oscar: ganadora a mejor guión original y nominada a mejor
    película, director y actor principal (Robin Williams)
  · Globos de Oro: 4 nominaciones [película-drama, director, guión
    original y actor principal (Robin Williams)]
  · BAFTA: ganadora a mejor película y BSO, nominada a director,
    guión original, montaje y actor principal (Robin Williams)

- Te gustará si lo hizo... Los chicos del coro (2004)

- Valoración:

El nuevo curso académico está a punto de comenzar en el elitista y prestigioso colegio Welton, con la novedad de la llegada de un nuevo profesor de literatura, llamado John Keating (un Robin Williams en estado de gracia). El ambiente rancio, hermético, moralista y restrictivo del centro, de sus dirigentes y docentes merman la capacidad imaginativa y la libertad de los jóvenes alumnos, que encontrarán una vía de escape en los métodos abiertos y espontáneos de Keating, totalmente alejados de convencionalismos y dirigidos a la formación de verdaderos librepensadores.

El grupo de jóvenes protagonista, encabezado por Neil (Robert Sean Leonard, actualmente en el papel del doctor Wilson en la serie televisiva House) y entre los que se encuentra el tímido Todd Anderson (un jovencísimo e irreconocible Ethan Hawke), encontrará a través de la pasión por la poesía transmitida por Keating, de su forma de ver y hacer ver la vida y de la importancia que éste otorga a aprovechar el momento ('Carpe Diem', latinismo que puso muy de moda la propia cinta), un cauce perfecto para dar rienda suelta a sus verdaderas vocaciones y para avivar sus pensamientos. Al mismo tiempo, descubrirán en un ajado libro, la existencia de una antigua sociedad secreta de la que formaba parte su actual profesor, antiguo alumno de Welton, llamada El club de los poetas muertos, y deciden refundarla y organizar quedadas nocturnas.

Sin embargo, pronto llegarán los problemas y los enfrentamientos entre los alumnos con sus nuevos objetivos, metas y perspectivas entre ceja y ceja y la cruda realidad y rigidez de su profesorado y de sus padres, ansiosos de que sigan el camino que ellos mismos han marcado ya, lo que acarreará funestas consecuencias entre las que se superpondrá el cariño y la gratitud sempiterna de ese grupo de chicos a su diferente, bienintencionado y especial profesor de literatura. 

"Carpe Diem: Vivid el momento. Coged las rosas mientras aún tengan color, pues pronto se marchitarán. La medicina, la ingeniería, la arquitectura... son trabajos que sirven para dignificar la vida pero es la poesía, los sentimientos, lo que nos mantiene vivos". El club de los poetas muertos es un film entrañable e imprescindible, una enseñanza en sí misma, sobre todo (pero no sólo) para la etapa adolescente; un empujón que anima a seguir tu propia senda, a actuar según tus convicciones, a escuchar la voz de tu interior, a aprovechar la vida y el momento.

                                                     Tráiler oficial

Big fish

- Dirección: Tim Burton
- Guión: John August (basado en la novela de Daniel Wallace)
- Reparto: Ewan McGregor, Billy Crudup, Albert Finney, Helena
  Bonham-Carter, Marion Cotillard, Danny DeVito, Jessica Lange,
  Alison Lohman, Steve Buscemi, Missi Pyle, Matthew McGrory
- Duración: 120min
- País: Estados Unidos - Año: 2003
- Premios destacados:
  · Oscar: 1 nominación (mejor BSO)
  · Globos de Oro: 4 nominaciones [incluyendo mejor película  
     comedia/musical, BSO y actor de reparto (Albert Finney)]
  · BAFTA: 7 nominaciones [incluyendo mejor película, director, actor
     de reparto (Albert Finney) y guión adaptado]

-Te gustará si lo hizo... Amélie (2001)

- Valoración:

William (Billy Crudup) se ha pasado la vida escuchando a su padre (Albert Finney) contar anécdotas inverosímiles acerca de sus vivencias juveniles. Para William, estas historias no son más que cuentos inventados, artimañas para caer bien a la gente y un gran obstáculo para llegar a conocer realmente a su padre, al que, tras un largo período sin verse ni hablar, volverá a visitar debido a una grave enfermedad. Este periodo le servirá para acercarse más que nunca a la realidad y supondrá un paso de gigante para perdonar y entender a su padre y a sí mismo.

Con una atmósfera nunca antes vista en el cine, Big fish rebosa talento y belleza, y consigue llevarnos de la mano del joven padre de William (un Ewan McGregor algo flojo en su papel) a lo largo del increíble camino de su juventud y, de forma paralela, mostrarnos envuelto en el terciopelo de lo fascinante, la necesidad del perdón, la comprensión y la voluntad en el seno de las relaciones paterno-filiales.

Esta magnífica historia te atrapará con su magia desde el primer momento y sin apenas darte cuenta, te verás inmerso en un profundo sueño infantil, rodeado de personajes y seres extraordinarios y formarás parte de un cuento asombroso y genial del que tan sólo los créditos finales te obligarán a salir, ya fascinado.

Estamos ante la mejor película de Tim Burton, sobre todo en cuanto a su construcción emocional, una apología deliciosa de la más pura fantasía que te llegará al alma como si aún fueras un niño. 

                                                    Tráiler oficial (en inglés, subtitulado en español)

Taxi driver

- Dirección: Martin Scorsesse
- Guión: Paul Schrader
- Reparto: Robert De Niro, Cybill Shepherd,
   Jodie Foster, Leonard Harris, Albert Brooks,
   Harvey Keitel, Peter Boyle, Martin Scorsese
- Duración: 113min
- País: Estados Unidos
- Año: 1976
- Premios destacados:
  · 4 Nominaciones a los Oscar: película, actor (De Niro),
    actriz secundaria (Jodie Foster) y BSO
  · Festival de Cannes: mejor película

- Te gustará si lo hizo... La naranja mecánica (1971)

- Valoración:

Travis (Robert de Niro) es un joven alicaído y de bajas expectativas que encuentra trabajo como taxista en Nueva York con el que pretende aprovechar el tiempo de las largas horas de insomnio que sufre desde su regreso de Vietnam. Es emocionalmente retraído, esconde su rabia, su ira y su desencanto hacia todo lo que le rodea acudiendo a cines para adultos y dentro de su vida solitaria, gris e inadaptada. Un buen día, observa desde el taxi a Betsy (Cybill Shepherd), una atractiva joven de la que se obsesionará, que trabaja en la oficina para un político candidato a gobernador. A partir de esto, Travis mostrará todo lo que ha reprimido de una forma violenta, irracional e impulsiva hacia las cosas que le asquean y le llenan de un odio tremendamente visceral.

Taxi driver nos deja un par de escenas que ya se han quedado en las retinas de todos los cinéfilos y grabadas en la historia del séptimo arte, con un De Niro realmente soberbio y espeluznante realizando un papel tan complejo y controvertido como la propia película. Scorsese esboja una crítica mordaz hacia la sociedad urbana estadounidense post Vietnam y pone sobre la mesa todos sus traumas, miedos, angustias, miserias, sus cloacas, frustraciones escondidas y sentimientos reprimidos.

Un film moderno, una obra cumbre del cine contemporáneo, un largometraje turbio, sobrecogedor, insólito, brillante y demoledor. Te dejará boquiabierto, te guste o no.

                                                   Tráiler oficial (en inglés)

El hombre elefante

- Título original: The elephant man
- Dirección: David Lynch
- Guión: David Lynch, Eric Bergren, Christopher de Vore
- Reparto: John Hurt, Anthony Hopkins, Anne Bancroft,
   Freddie Jones, John Gielgud, Wendy Hiller, Dexter Flethcer
- Duración: 125min
- País: Estados Unidos
- Año: 1980
- Premios destacados:
  · Oscars: 8 nominaciones (incluyendo mejor actor [John Hurt]
    y mejor director [David Lynch])
  · BAFTA: mejor película

- Te gustará si lo hizo... La parada de los monstruos (1932)

- Valoración:

Esta es la historia verdadera de Joseph Merrick (John Merrick en la película), un hombre británico con graves y evidentes malformaciones físicas en todo su cuerpo, especialmente en el rostro y la cabeza (lo que valió el ser conocido como "el hombre elefante") que vivió a finales del siglo XIX en Inglaterra y que sobrevivía gracias a ser exhibido como una extraña y atroz bestia por ferias ambulantes a lo largo de todo el país. Se cree que Joseph sufrió una grave variación del síndrome de Proteus y supone el caso más terrible de este mal registrado hasta ahora.

David Lynch nos cuenta su vida en imágenes de un forma sencilla, humana, directa e incluso tierna pero sin llegar a resultar condescendiente ni piadosa, en un precioso y adecuado blanco y negro. La deformación del protagonista, brillantemente interpretado por un inmenso John Hurt, sirve, en esencia, de excusa para mostrar el trato y el maltrato que le profesan muchos de los que le rodean a lo largo de su vida y gran parte de las miserias, de lo más despreciable que hay nosotros, en los seres humanos.

Por casualidad, es descubierto en un circo ambulante por el Dr. Treves, papel bien llevado por Anthony Hopkins, que se interesa desde un primer momento por la rareza de su enfermedad y se preocupa de su salud y también de mejorar su bienestar y sus habilidades. Es a partir de este momento, que Merrick se muestra como un hombre no solamente normal sino incluso elevado, culto, educado y gentil.

Ser humano es lo que, precisamente, ansía Merrick. Algo, a priori, tan simple pero tan sumamente difícil; ser visto y ser tratado por los hombres como uno más de los hombres. Y es este hecho el que recoge Lynch en un final tenue, sutil, un íntimo grito silencioso barnizado por una belleza trágica que le otorga al film un aura romántico. 

"¡Yo no soy un animal! ¡Yo soy un ser humano! ¡Yo soy un hombre!" El hombre elefante es un clásico atemporal del cine, una película de culto.

                                                  Tráiler oficial (en inglés)